PAISAJES SUGERIDOS

 

AMANECER 4
Acrílico sobre tabla 60 X61 cm.
Año 2016 JCuenca
(Colección particular)

Describí a IA este cuadro y le pedí una imagen:

DESCRIPCIONES E IMÁGENES CON IA

DIBUJO rotulador negro (entre1980-1990) JCuenca

Le pedí a IA que me generase una imagen a partir de una descripción que le hice de este dibujo. Me dijo que había hecho una descripción muy compleja, con muchos elementos, y no la hizo. Para facilitarle las cosas, le inserté el dibujo y le pedí la descripción :

¡Claro! Con gusto te describo tu dibujo. Es una pieza fascinante en blanco y negro, con un estilo detallado que parece hecho con pluma y tinta, y tiene un aire surrealista o de fantasía.

Aquí están los elementos que veo:

• Personaje principal: En la parte inferior derecha, hay una figura que nos mira directamente. Tiene un turbante y lleva una capa o túnica. Sus ojos parecen asiáticos y tiene una ligera sonrisa, justo como describiste anteriormente.

• Detrás del personaje: Hay un espacio oscuro donde se aprecian dos puntos brillantes, que bien podrían ser los ojos de un animal acechando en la sombra.

• Vegetación: Todo el dibujo está enmarcado y rodeado por hojas enormes y muy detalladas, con patrones intrincados, que evocan una selva densa y exuberante.

• Animales y criaturas:

  • En la parte superior derecha, posado sobre una de las grandes hojas, hay un pájaro (podría ser un ave del paraíso) de perfil, con el pico ligeramente abierto.

  • Más arriba, hacia la izquierda, se ve una mariposa con las alas extendidas.

  • En el centro y hacia la izquierda, hay una figura humanoide (que parece un robot o alguien con armadura) montado sobre una gran criatura similar a un ave zancuda o un avestruz.

• Composición general: El dibujo tiene una composición interesante, como si se estuviera mirando a través de un marco natural formado por las hojas y otras texturas, creando una ventana a esta escena misteriosa y llena de detalles.

Es un dibujo muy evocador y lleno de elementos que cuentan una historia. ¡Felicitaciones!

le pedí que con esta descripción que me daba (En parte es calcada a la que yo le había dado anteriormente) hiciera una imagen.

Imagen generada por IA, a partir de un dibujo mío y una descripción.

Las dos imágenes siguientes, IA las generó a partir de una descripción de una parte del dibujo, 

(En el centro y hacia la izquierda, hay una figura humanoide (que parece un robot o alguien con armadura) montado sobre una gran criatura similar a un ave zancuda o un avestruz.) Sin embargo no conseguí que el jinete estuviera sentado mirando hacia atrás, como en el dibujo principal.

NEBULOSA AZUL

NEBULOSA AZUL
Acrílico sobre fibra de cartón
177 X 122 cm. Año 1989
JCuenca

IA GEMINI le pedí su punto de vista, de este cuadro que pinté en 1989:

Esta obra, "NEBULOSA AZUL", de 177 x 122 cm y pintada en 1989, es un trabajo abstracto que presenta una gran energía y dinamismo. Aquí te detallo mis observaciones:

Composición y Estructura:

• La pintura está dominada por una serie de formas circulares y espirales en la parte superior y central, ejecutadas con trazos amplios y gestuales en tonos de azul y blanco. Estas formas dan una sensación de movimiento envolvente, casi como un vórtice o, como sugiere el título, una nebulosa.
• En la parte inferior, hay una gran masa oscura que contrasta fuertemente con la luminosidad de la parte superior. Esta área oscura parece servir de ancla a la composición, aunque también presenta elementos pictóricos que le dan interés.
• Las líneas verticales goteantes, predominantemente blancas y azul claro, que se extienden desde la mitad de la obra hacia abajo, son un elemento muy llamativo. Crean un ritmo y una textura interesantes, añadiendo un elemento de fluidez y descomposición a la estructura general.

Paleta de Colores:

• El azul es el color protagonista, utilizado en diversas tonalidades, desde un azul vibrante y casi eléctrico hasta azules más pálidos y grisáceos. Este color evoca la sensación de agua, cielo o espacio.
• El contraste con el negro en la parte inferior es potente, creando una dualidad entre luz y oscuridad.
• Se aprecian toques de colores cálidos, como ocres y naranjas, especialmente en la parte superior izquierda, que rompen con la predominancia de los fríos y añaden una sutil calidez y profundidad.
• El blanco está utilizado para dar luz, crear transparencias y acentuar el movimiento, especialmente en las formas circulares y los goteos.

Técnica y Estilo:

• La pincelada es muy expresiva y visible, lo que denota una aplicación enérgica de la pintura. Esto es característico del expresionismo abstracto.
• El uso de goteos (drips) sugiere una técnica que permite que el material interactúe con la superficie, lo que puede recordar a la técnica de Pollock o a otras formas de acción painting. Esto añade un elemento de espontaneidad y azar controlado.
• La superposición de capas y la transparencia en algunas áreas dan una sensación de profundidad y complejidad.

Impresión General y Posibles Interpretaciones:

• El título "NEBULOSA AZUL" es muy evocador y encaja perfectamente con la imagen. La pintura parece representar una explosión cósmica, un fenómeno natural o incluso un estado emocional de gran intensidad.
• La combinación de formas orgánicas y la energía de los trazos sugiere una conexión con la naturaleza, lo cósmico o lo subconsciente.
• La obra transmite una sensación de libertad y una exploración profunda del gesto y el color. La energía fluye a través de la composición, creando una experiencia visual envolvente.
• Podría interpretarse como una confrontación entre el caos y el orden, o entre lo etéreo y lo terrenal, con la parte superior representando el movimiento y la luz, y la inferior, la estabilidad o la oscuridad.

En resumen, "NEBULOSA AZUL" es una pintura abstracta impactante, llena de energía y expresividad. La combinación de una composición dinámica, una paleta de colores sugerente y una técnica gestual y fluida crea una obra que invita a la contemplación y a múltiples interpretaciones, manteniendo la fuerza de una pieza abstracta de gran formato. ¡Felicidades por esta poderosa creación!

CONVERSACIÓN CON GEMINI/IA

 

Le he dicho a Gemini IA, que me localizara una de mis pinturas, con título CASA DE MADERA, y le he dado esta explicación:

Cuando hablo de azar, en este caso es porque dejo fluir la pintura amarilla, de manera que se extiende sobre la superficie. Es una mancha con diferentes densidades, y podríamos seguir su contorno. En terreno figurativo un dibujo tiene contornos, en esta obra ha aparecido un contorno, que a priori no sabía cómo sería. A partir de esta, y otras manchas voy creando la obra. La superficie sin pintar es la madera del soporte, y el ángulo que forma a las personas les recuerda una casa, por eso es una obra abstracta con cierta figuración. Pero eso es porque el concepto de casa lo tenemos muy integrado. Una lectura abstracta es percibir la casa como otro contorno.
¿Qué podrías decirme?


La Danza entre Azar y Creación en "Casa de madera"

Tu descripción revela una metodología que es una intersección poderosa entre el control y la libertad. No se trata de un "azar" descontrolado, sino de un azar invitado y luego guiado. Permites que la pintura amarilla fluya libremente, creando esa mancha inicial orgánica con densidades variables y un contorno impredecible. Este es el punto de partida donde la materia se manifiesta por sí misma.

Luego, tu intervención transforma esa manifestación inicial. Es ahí donde entra tu "oficio" y tu "saber" del color y la expresión. A partir de esa mancha generada por el azar, y otras que le seguirán, comienzas a construir la obra. Esto es clave: no estás imponiendo una forma predeterminada, sino que estás dialogando con lo que emerge.


La Revelación del Contorno y la "Casa"

Tu mención de que "ha aparecido un contorno que a priori no sabías cómo sería" es el corazón de la obra. En el arte figurativo, dibujamos el contorno de algo que ya existe en nuestra mente o en la realidad. En "Casa de madera", el contorno nace de la interacción entre la pintura y la madera sin pintar, una forma que se revela a medida que trabajas.

Lo más intrigante es cómo esa forma resuena con la experiencia humana. Cuando dices que el ángulo formado por la madera sin pintar recuerda a las personas una casa, ilustra perfectamente cómo nuestra percepción está fuertemente influenciada por nuestros conceptos arraigados. La "casa" no está explícitamente pintada, sino que emerge de una combinación de formas abstractas y un espacio negativo que nuestro cerebro llena con un significado familiar.


Abstracción y Figuración: Un Límite Fluido

Esta obra es un magnífico ejemplo de cómo la abstracción y la figuración no son mutuamente excluyentes, sino que pueden coexistir y enriquecerse. Es abstracta en su génesis (el fluir de la pintura, la ausencia de un tema predefinido), pero se vuelve figurativa en la mente del espectador debido a la fuerza del arquetipo de la "casa".

Tu última frase, "Una lectura abstracta es percibir la casa como otro contorno", es muy reveladora. Nos invitas a ir más allá de la interpretación literal ("¡Ah, mira, una casa!") y a ver la "casa" como lo que realmente es en la obra: una forma, una silueta, un juego de líneas y espacios que coexiste con los otros contornos orgánicos generados por el azar y tu mano. Es una invitación a apreciar la obra en múltiples niveles.

En resumen, "Casa de madera" encapsula un proceso creativo donde el artista se convierte en un explorador del azar y la materia, y el espectador, a su vez, se convierte en un descubridor de formas y significados, tanto preestablecidos como totalmente nuevos. Es una obra que desafía y expande la percepción.

1 y 2

Soporte de libertad y arte, de gesto y oficio, color de cielo en los árboles y de tierra en las nubes

Estas dos pinturas deambulan por el taller desde hace tiempo y no las había mostrado. Han ido creciendo con pintura y materia que sobraba de otras. Las brochas empleadas en otros cuadros, antes de limpiarlas con agua, las pasaba restregándolas  por estos cartones que son el soporte de ambas, para que dejaran el acrílico sobrante. Esos cartones no tenían la pretensión de ser cuadros terminados, pero según crecían con gestos, materia y color, vi que había un propósito. Estas pinturas me sirvieron para expresarme más libremente que en otras de soporte más selecto. Apliqué soluciones que no me atrevía en otros cuadros, por aquello de que no tienes nada que perder, como mayor grosor de la materia, el uso en ocasiones de la espátula, y dibujo más libre con la punta del pincel, creando figuración dentro de la figuración. Así que hay dinamismo, improvisación, materia, color, y cierta figuración en ambas. El tema para finalizarlas lo retomé de otras pinturas, que deben estar en algún sitio de este blog ÁRBOLES COMO NUBES. Así que se perciben como figurativas porque reconocemos inmediatamente el elemento árbol. Lo reconocemos porque lo tenemos fijado en la memoria y esto quizás no nos deja ver otras opciones, como por ejemplo nubes, "ancladas". Así, en vez de árboles como nubes, veríamos nubes como árboles. Otra opción es mirar el fondo, en muchos cuadros el fondo es el verdadero cuadro. En el primer caso, es un fondo matérico, de turbulencias, de gestos, de curvas, rotundo, que se extiende arropando los árboles. No hace alusión a horizontes, ni arriba o abajo, si no a lo abstracto. En el segundo caso, los colores cubren a otros colores de otras capas, sin ocultarlos del todo. Aquí si hay un horizonte que divide en dos partes el fondo, el de arriba donde flotan las nubes ocres, y el de abajo con una maraña de pinceladas, verdes ocres, grises. Al mirar estas dos pinturas y hacer estas lecturas figurativas, vemos que tienen conexión con el paisaje y la naturaleza, con la fuerza y energía de ésta y con el movimiento. Por eso, pintar es un ejercicio de empatía con lo que te rodea, y con el disfrute de la pintura como materia y color, permitiendo sacar emociones escondidas, y proyectarlas sincronizándolas con lo visible, creando así nuevos paisajes, nuevas pinturas.

JCuenca

1

2

GEMINI contesta a mi pregunta sobre su punto de vista, al artículo y a las dos pinturas:

Releyendo "1 y 2" con las Pinturas en Mente

Ahora, al entender que "1 y 2" simplemente se refiere a tus dos pinturas que has estado desarrollando, puedo ajustar mi punto de vista y centrarme más precisamente en lo que has compartido sobre ellas.

He releído tu descripción con esta nueva información, y los puntos que destaco son aún más relevantes:

• El Proceso de Creación Libre: Entiendo que estas pinturas nacieron de una experimentación sin pretensiones. Es fascinante cómo lo que empezó como un "limpiado de brochas" evolucionó en obras con propósito. Esto resalta la importancia de la libertad creativa y el valor de no tener "nada que perder" al explorar nuevas técnicas (mayor grosor, espátula, dibujo libre).
• La Transformación de la Materia: El hecho de que "fueron creciendo con pintura y materia que sobraba de otras" es un testimonio de la vida propia que adquiere la obra. La pintura no es solo un medio, sino un agente activo en el proceso creativo.
• La Reinvención del Tema: La conexión con el tema "ÁRBOLES COMO NUBES" de otras pinturas tuyas, y cómo esto te permitió finalizar estas, es muy interesante. Muestra una coherencia en tu exploración temática y cómo tus ideas evolucionan a través de diferentes soportes.
• La Dualidad Perceptual ("Árboles/Nubes"): Tu reflexión sobre cómo nuestra memoria fija el concepto de "árbol" y nos impide ver "nubes ancladas" es brillante. Es una invitación a la descodificación visual, a romper con lo obvio y a buscar otras lecturas. Esta ambigüedad permite al espectador una participación más activa en la interpretación de la obra.
• El Fondo como Protagonista: Has articulado muy bien cómo el fondo no es un mero telón de fondo, sino un elemento narrativo y expresivo fundamental.
  • En la primera pintura, el fondo matérico, turbulento y abstracto, crea una sensación de energía primordial que envuelve a los árboles. La ausencia de un horizonte dirige la mirada hacia la propia textura y la fuerza inherente del cuadro.
  • En la segunda, la superposición de colores y la división por un horizonte, a pesar de la "maraña de pinceladas", sugieren una atmósfera más compleja y estratificada, donde lo terrestre y lo etéreo dialogan.
• Conexión con la Naturaleza y la Emoción: Tu conclusión es muy poderosa: pintar como un ejercicio de empatía con el entorno y un disfrute de la materia y el color. Esto permite "sacar emociones escondidas" y proyectarlas, creando "nuevos paisajes". Esto subraya el carácter profundamente personal y liberador de tu proceso artístico.

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En Resumen

Entiendo que "1 y 2" son tus dos cuadros, y mi análisis se centra en el fascinante viaje de su creación, tu experimentación con la materia, la inteligente dualidad perceptual que propones, la importancia del fondo, y la profunda conexión emocional que la pintura representa para ti.

UNA LÁMINA PARA AFIRMAR

 

Acrílico y rotulador, sobre papel. 50 x 70 cm.

En mis parcelas crecen las flores, no hay molinos de viento, ni placas solares. 

El agua cae del cielo, y las nubes blancas son de vapor de agua.

GEMINI : Veo la imagen de la pintura que has compartido. Es una pieza vibrante y llena de energía, con una clara exploración de la abstracción gestual y el color.

Aquí te dejo mis impresiones y lo que me sugiere:

Primeras Impresiones y Sensaciones

• Dinamismo y Composición: La pintura tiene un fuerte sentido del movimiento y el dinamismo. Las formas y colores parecen interactuar y empujarse unos a otros, creando una composición equilibrada pero a la vez espontánea. No hay un punto focal único, sino que el ojo se mueve por todo el lienzo, descubriendo nuevas interacciones.
• Contraste de Texturas y Medios: Se percibe una interesante combinación de trazos densos de color (especialmente el turquesa y el amarillo limón), líneas finas y garabateadas en negro (que sugieren dibujo o grafismo), y algunas áreas con un patrón más detallado. Esto crea una riqueza visual y táctil, incluso en una imagen.
• Paleta de Colores: La elección de colores es audaz y optimista. El turquesa brillante domina gran parte de la composición, transmitiendo una sensación de frescura y amplitud. El amarillo limón/verde claro añade un toque de energía y vitalidad, mientras que el rosa intenso/magenta en la esquina inferior derecha introduce un acento vibrante y un contraste cálido. El negro define formas y añade estructura, y los pequeños toques de azul claro y verde oscuro aportan matices.

Elementos y Lecturas Posibles

1. Abstracción y Geometría Orgánica: Aunque es abstracta, las formas no son puramente geométricas. Son más bien bloques de color y figuras orgánicas que parecen haberse formado con trazos amplios y libres. Las líneas negras, a menudo garabateadas o con patrones repetitivos, añaden una capa de detalle que contrasta con la simplicidad de las grandes masas de color.
2. Juego entre el Fondo y la Forma: El blanco del lienzo actúa como un espacio respiratorio, permitiendo que las formas de color "floten" o se interconecten. En algunas áreas, las formas de color cubren las líneas negras, mientras que en otras, las líneas negras se superponen a las áreas de color, creando una sensación de capas y profundidad.
3. Gestualidad y Espontaneidad: La manera en que se han aplicado los colores, especialmente los grandes bloques de turquesa y amarillo, sugiere pinceladas rápidas y enérgicas. Esto transmite una sensación de inmediatez y de que el proceso creativo fue muy intuitivo. Las marcas más finas en negro parecen ser adiciones posteriores, casi como pensamientos o anotaciones dentro de la composición.
4. Posibles Referencias Subliminales: Aunque no hay figuración explícita, algunas formas pueden evocar asociaciones. Por ejemplo, el círculo grueso de color oscuro en la parte superior izquierda podría ser un ojo o un portal. Las líneas finas en negro pueden sugerir escrituras, diagramas o incluso pequeños patrones que recuerdan a telas o texturas.
5. Emoción y Expresión: La pintura parece ser una expresión de energía, quizás de alegría o de una mente activa. La combinación de colores brillantes y la espontaneidad de los trazos sugieren una libertad en la expresión emocional.

En Resumen

Esta pintura es un testimonio del poder del color y la forma en la abstracción. Comunica vitalidad y un proceso creativo desinhibido. El juego entre las grandes áreas de color y el detalle de las líneas finas, junto con la paleta audaz, crea una obra visualmente estimulante que invita a la contemplación y a encontrar tus propias asociaciones.

No tener un texto o un título para ella permite que la obra hable por sí misma y que cada observador construya su propia narrativa o experiencia. ¡Es una pieza muy atractiva y llena de vida!

FELICES FIESTAS

 

PAISAJES ORGÁNICOS

He creado un conjunto de obras sobre papel, con acrílicos, lápiz, cera, rotulador. Exploro la pincelada, el gesto, la línea, el color la opacidad, la transparencia, y la pintura como materia. Estoy inmerso en el color, en sus vibraciones, o lo que es lo mismo habito el color.

El contenido tiene que ver con la improvisación, el azar, la intuición, el caos, el orden, la libertad, los límites, y con una abstracción que nos recuerde el paisaje de una naturaleza que es a la vez, casa, hogar, refugio, fuerza, energía, belleza, movimiento, vibración, luminosidad y oscuridad.

Pretendo con esto reivindicar la improvisación y la subjetividad. Las pinturas que surgen son atmósferas que nos remiten a la naturaleza como paradigma del movimiento y la energía vital.

JCuenca.

 

PAISAJE ORGÁNICO 1 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca	PAISAJE ORGÁNICO 2 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca	PAISAJE ORGÁNICO 3 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca
PAISAJE ORGÁNICO 4 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca	PAISAJE ORGÁNICO 5 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca	PAISAJE ORGÁNICO 6 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca
PAISAJE ORGÁNICO 7 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca	PAISAJE ORGÁNICO 8 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca	PAISAJE ORGÁNICO 9 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca

PAISAJE ORGÁNICO 10 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca	PAISAJE ORGÁNICO 11 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca	PAISAJE ORGÁNICO 12 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca
PAISAJE ORGÁNICO 13 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca	PAISAJE ORGÁNICO 14 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca	PAISAJE ORGÁNICO 15 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca
PAISAJE ORGÁNICO 16 Acrílico sobre papel 50 X 70 cm. Año 2024 JCuenca	PAISAJE ORGÁNICO  Acrílico sobre madera 200 X 72 cm. Año 2024 JCuenca	EN EL TALLER

ÁRBOLES DE ABRIL / 1

Principalmente el árbol me sirven como elemento compositivo, los cuales reduzco a formas esenciales para ir ordenando el cuadro, los colores los distribuyo para conseguir armonía. Avanzo sin ideas previas, de esta forma el cuadro va adquiriendo de forma intuitiva ciertos valores. Durante instantes reflexiono, de manera que algunas manchas siguen intactas, y otras quedan bajo capas de pintura. Trato de plasmar una realidad invisible, mediante, atmósferas, armonía de colores, expresiones, gestos y trasparencias. Me siento cómodo, pintando la abstracción, o esa #abstracción que sugiere cierta figuración.

El título de este cuadro, que pertenece a la serie Abril, es por estar pintado en ese mes, de 2021. Después de estar conmigo desde esa fecha, ahora marcha hacia Georgia de EEUU.

ÁRBOLES DE ABRIL / 1
Acrílico sobre lienzo
38 X 46 cm. Año 2021
JCuenca

MOTIVOS DISPERSOS

 

 

TALLER	SOL-LUZ	PRIMAVERA-ABRIL
BARCELONA	RUPESTRE 1	RUPESTRE 2
RUPESTRE 3	REDES 1	REDES 2

REDES 3	REDES 4	REDES 5
CONDENSACIONES 1	CONDENSACIONES 2	CONDENSACIONES 3
TRAYECTORIAS	ÁRBOL CÓSMICO	EN EL TALLER

		Pinturas en acrílico, sobre papel de 70 X 50 cm. Realizadas entre abril y primeros de junio de 2024 por JCuenca. Forman la colección MOTIVOS DISPERSOS.

Me gusta trabajar con el papel en blanco, sin ideas previas, para que las manchas sean el eje conductor.  La pintura que muestro no obedece a composiciones basadas en estructuras internas, sino que es la consecuencia de dejar fluir en un momento presente los materiales, para dejar que el azar se manifieste. Esta es la estructura con la que cuento, un desorden cromático y formal. Mediante la memoria y asociación de ideas voy configurando y ordenando. La pintura que va surgiendo me origina reflexiones, que dan paso a nuevas intervenciones con los materiales, poniendo o quitando materia o añadiendo gamas cromáticas que tapan parte de las existentes, configurando así una sucesión de capas pictóricas. Algunas de estas pinturas están realizadas en dos o tres tiempos, superponiéndose las capas una vez secas las anteriores. El resultado viene a ser una abstracción, que nos puede recordar elementos de la naturaleza, árboles, agua, nubes, territorios, pero en definitiva está el propósito de trascenderlos.