SOROLLA HOMENAJE

Joaquín Sorolla nació en 1863 en Valencia. Con motivo del 150 aniversario de su nacimiento muestro estas fotografías de su casa en Madrid, hoy Museo Sorolla.

Fotografías JCuenca.
Puedes ver mis pinturas en mi otro blog ANTARES JCUENCA

ESTUDIO PARA COMPOSICIÓN II de Kandinsky

                                                                                                                                                      

Sketch for Composition II (Estudio para composición II)

Es un cuadro de Kandinsky. Óleo sobre lienzo 97,5x131,2 cm.
The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York.

Hace tiempo que lo vi y me fascinó su cromatismo, los rojos, los amarillos, los azules, los verdes. Enseguida lo relacioné con la gran expresividad del color de los pintores fauvistas.  Vemos la herencia de este movimiento, pero no es un cuadro fauvista, - Kandinsky estuvo en París en 1907 donde conoció pinturas de este grupo y admiró según Vivian Endicott la obra de Matisse, Gauguin, Maurice Denis, Braque y Picasso, entre otros- la pintura se encamina hacia la abstracción.
De una rápida mirada, pensé en un cuadro abstracto, luego me di cuenta del contenido. En el cuadro se ven cuatro personajes erguidos, y otro que levanta un brazo, en el extremo inferior izquierdo. En el centro dos jinetes cabalgan sobre sus caballos. En la parte superior izquierda, un personaje se muestra con los brazos en cruz y a su derecha una persona agachada. En la parte inferior derecha, hay dos personas recostadas. Por encima de ellas se ven varias en actitudes diversas. Estos personajes están dentro de un paisaje,  donde hay montañas, arboledas, rocas y olas. Aunque Kandinsky mantenía que Composición II se había pintado sin tema. -Califica a los cuadros llamados COMPOSICIONES como expresiones, súbitas, de carácter interno e inconscientes pero creadas según él "con lentitud extraordinaria y que analizo y trabajo larga y pedantemente después del primer esbozo" y más adelante dice "la última instancia, sin embargo, es siempre la sensibilidad y no el cálculo"
El cuadro está en esa línea entre abstracto y figurativo, aún ligado a la naturaleza externa "...y tomamos de ellas nuestras formas. Toda la cuestión está en como debemos hacerlo. Es decir, hasta dónde puede ir nuestra libertad en la transformación de estas formas y con qué colores puede combinarse."

El tema comenzará a no ser obstáculo para Kandinsky. La pintura no estará subordinada a la temática, sino que el color, los grafismos, las pinceladas, las texturas serán los máximos protagonistas. Fue también un gran conocedor de las corrientes intelectuales de su tiempo.

La idea de que en el arte ya no era necesario recurrir a ningún motivo figurativo, se le confirmaba con las lecturas de Worringer. Abstracción e intuición (1907). La música juega un enorme papel, en cuanto a reafirmar la idea de abstracción. Utiliza en sus escritos palabras como música interior, sonido interno, para emparentarlas con la pintura. Es un gran conocedor de músicos, Debussy, Mussorgsky, Schönberg.

 "El sonido musical tiene acceso directo al alma" dice Kandinsky.

La libertad de Kandinsky fue hacia la representación de formas esquemáticas, para que el detalle no perturbase el efecto del conjunto. "La libertad puede ir hasta donde alcance la intuición del artista. Desde este punto de vista se comprende cuán necesario es el cultivo y el cuidado de esa intuición."

Notas:Del libro De lo espiritual en el arte.  

JCuenca.

ARTE DENTRO DEL ARTE

Magníficas vistas de la ciudad de Barcelona desde el MNAC

"El museu explora. Obres d’art a examen"

El museo explora. Obras de arte a examen.

En esta exposición lo invisible también se muestra. 

La superficie pictórica de un cuadro o un retablo, la textura de una escultura, el dibujo en un frágil papel es sólo parte de la obra, la más vistosa, pero quizás, la más pequeña comparándola con el proceso de crearla. Un retrato por ejemplo es también la preparación del soporte, el dibujo previo, las variaciones o arrepentimientos de éste, la elección de los pigmentos, las huellas del calco o cuadrículas, las pinceladas, la textura, todo forma parte del proceso. En esta  muestra el mundo es al revés, la obra es el pretexto para indagar en lo que la hizo posible. No es lo visible lo que nos llama la atención, sino lo invisible revelado por medio de la observación, las técnica y el estudio.

La exposición comisariada por Mireia Mestre, cap de l’Àrea de restauració i conservació preventiva del MNAC, nos muestra una gran variedad de obras de diferente cronología, que tienen la característica de guardar en su interior los secretos del proceso de su creación. Así, en un recorrido ameno, con paneles explicativos y fotografías que acompañan cada obra, vamos descubriendo las distintas técnicas, materiales y herramientas que utilizaron los artistas para culminarlas.

Para conseguir gran precisión en las pinturas, dibujaban con ayuda de cuadrículas y luego lo trasladaban en otra escala a la tela o madera. Otro método como se puede ver en esta muestra es el calco. 

Hay otras obras cuyas anotaciones ocultas bajo capas de pintura se hacen visibles al igual que las cuadrículas o el calco, gracias a técnicas como la reflectografía infrarroja. 

En la exposición también se muestra un grupo escultórico que fue encargado a Campeny.  Algunas de las figuras son huecas en la parte que corresponde a las vestimentas, hechas de lienzos encolados. Las radiografías nos muestran la estructura interna, y vemos placas y clavos que nos recuerdan a las radiografías actuales de fracturas reducidas,  por otras placas y otros clavos.

Los rayos X también nos hacen visibles los cambios compositivos producidos en una obra, y ayudan con el complemento de otras técnicas, a descubrir la verdadera policromía que tenía una pieza, como en el caso de una cruz románica.

   

Hay obras que tienen  reversos muy interesante como pueden ser anotaciones, firmas, dibujos o sellos que pueden servir para catalogarlas. Se muestra una pintura de Nonell y retablos góticos como ejemplos.

Siguiendo el recorrido, vemos obras de autores que han empleado técnicas poco conocidas como es el caso del fotógrafo Casals i Ariet  que utilizó el bromóleo transportado. 

También podemos ver otras técnicas como la pintura mural y también el pastel. Hay un magnífico retrato de La Tour  a pastel sobre papel, o mejor dicho sobre trozos de papel encolado a una tela para nuestros ojos los trozos son invisibles debido a lo bien disimulado de las uniones. 

La muestra es amplia y también podemos ver materiales conflictivos como papeles frágiles y rotos con el paso del tiempo como es el caso de un dibujo de Martí Alsina, o una obra de Gargallo de plomo y alma de madera, que con el paso del tiempo los materiales han mostrado su incompatibilidad. La exposición continúa con algunas piezas más , pero las dejo para que las descubra el visitante.

Hemos visto una muestra de obras cronológicamente de tiempos distantes que tienen en común un proceso donde las variaciones, anotaciones, cromatismos y estructuras, formaban parte de las capas subyacentes e invisibles y que gracias a técnicas diversas las hemos podido conocer. De esta forma nos facilita una mejor comprensión de la obra en su totalidad y por supuesto nos ayuda a sentirlas anímicamente.

Fecha del 23 de Novembre de 2012 - 24 de Febrer de 2013. MNAC

Entrada gratuita.

JCuenca.

MICROCOCHES DE BARCELONA

L´ENGINY DE POSTGUERRA

MICROCOTXES DE BARCELONA

 El sector de la automoción en Barcelona se formó durante el primer tercio del siglo XX, y continuó gracias  al ingenio de trabajadores y emprendedores que pudieron mantener el potencial productivo a pesar de las duras condiciones de la posguerra y el primer franquismo, en este contexto en los años cincuenta surgieron iniciativas para la producción de  automóviles a precios asequibles, los microcoches.

Durante el recorrido por la exposición, los paneles informativos nos ilustran sobre: EL Referente del Hispano-Suiza, fábrica de automóviles que surgió en 1904 mediante la asociación de un empresario barcelonés y un ingeniero suizo. Sobre los coches de posguerra y el cambio aplicado para funcionar con gasógeno, combustible alternativo a la falta de petróleo. Sobre  Las reticencias del Estado con el nacimiento del INI y el reparto de la industria por el Estado haciendo perder peso a Barcelona y Cataluña. Sobre El éxito de las motocicletas y como para satisfacer las necesidades de transporte surgieron las iniciativas de hacer coches con tecnología de moto y por fin los microcoches. En esta exposición podemos ver una muestra de estos pequeños automóviles, que durante un tiempo corrieron por las calles de Barcelona, dando paso en 1957 al primer Seat 600 que se convirtió en el primer coche de masas.

Del 5 de diciembre de 2012 al 5 de marzo de 2013.

MUHBA Fabra i Coats, Espai Joan Bota.

Coleccionista Claudi Roca.

C/Sant Adrià, 20.

De martes a viernes, de 17 a 20 h, 2€

Sábado y domingo, de 11 a 14 h y de 16.30 a 19.30 h, gratuito.

Comentario y fotografías JCuenca.

La producción de motocicletas paso de 500 unidades en 1945 a cerca de 70.000 en 1955 en el conjunto del Estado.

David de 1955 (a la izquierda) La empresa David se convirtió en compañía de taxis, a ella se debe el color de los taxis de Barcelona

Delfín de 1956. Pequeña furgoneta para el transporte. (Colección Claudi Roca)

Furgoneta con parte de la carrocería de madera.

MT de 1954

2012 UN PASEO POR EL ARTE

Quiero felicitar el Nuevo Año y dar las gracias a todos los visitantes del blog.

Les dejo con algunas de las entradas a modo de resumen que hice a lo largo del 2012.

VILLA FARNESINA CON MUCHO ARTE
Detalle al fresco en la Logia de Eros y Psique.

Cabezas brazos piernas cuerpo

MACBA. Tan blanco...

PIRANESI

ESTO NO ES UNA FÁBRICA TEXTIL, TAMPOCO. El nuevo "Centre d´Art Contemporani Fabra i Coats"

 

LOS CUADROS QUE ILUSTRABAN TUS LIBROS ESTÁN EN FLORENCIA

 

EXPONER ES UNA APUESTA DE FUTURO

 

 

FELICES FIESTAS LLENAS DE COLOR

JCuenca. FELICES FIESTAS LLENAS DE COLOR Y PRÓSPERO AÑO NUEVO

OTROS PÁJAROS EN EL DELTA DEl LLOBREGAT

Fotografías Anna Cuenca y JCuenca.

DELTA DEL LLOBREGAT. BARCELONA.

MACBA TAN BLANCO Y TRANSPARENTE

MACBA. Tan blanco...

Sigue tan blanco como el primer día , o eso es lo que me pareció y también transparente. A través de la fachada acristalada se veía numeroso público subiendo  y bajando la rampa para acceder a las salas,  era el 25 aniversario del MACBA y se celebraba una jornada de puertas abiertas.

Hay que huir del contenido como de una plaga. El arte de la primera globalización (8 noviembre 2012-junio 2013) 

Era la exposición de una de las salas en la que entré. Me llamó la atención unas imágenes de Miró en un documental en blanco y negro. Estuve viéndolo un momento, y leyendo  las notas en la pared. Al parecer el cineasta Pere Portabella tuvo la idea de proponer a  Joan Miró que borrara el mural que había pintado sobre cristal en la sede del Colegio de Arquitectos de Catalunya en Barcelona. Éste aceptó y lo borró incluso tuvo ayuda por parte de los servicios de limpieza del edificio, que de eso sabían un rato. Se trataba de una acción efímera y las imágenes nos mostraban a Miró en esa acción "el gesto del pintor condensaba buena parte del debate que, en la década de los sesenta, se había articulado en torno al género de la pintura".  Se cuestionaba el expresionismo abstracto, el nuevo modelo surgido en América a mediados del siglo XX, de una pintura que renunciaba a toda forma de representación. El contenido era la propia pintura, los estímulos que el pintor incorporaba mediante el gesto, el color, la materia o el goteo. Clement Greenberg uno de los críticos más influyentes del pasado siglo había sido el defensor de este nuevo modelo de pintura y con "hay que huir del contenido como una plaga" lo dejó sentenciado. Esta forma de entender el arte tuvo diferentes y variadas respuestas por parte de otros artistas, como muestra la exposición, así Robert Rauschenberg y Tàpies incorporaron a la superficie plana del cuadro el objeto, o Raymond Hains que mediante el décollage alude en su cuadro al mundo del consumo. Joan Hernández Pijuan está representado por una obra donde el contenido es el puro análisis cromática de sus pinceladas. La exposición sigue mostrando obras surgidas en el contexto de la globalización y tal como podemos leer en la hoja informativa del MACBA "Se inicia una vía muy fértil de artistas periodistas, artistas sociólogos y artistas poetas". El artistas se "especializa" pienso yo y el museo se convierte en el contenedor y legitimador de objetos artísticos. Así, podemos encontrar una piscina que tiene la cualidad de la variabilidad, parece ser que transfiere, como pude leer, de la posición vertical a la horizontal, además el color de sus piezas de plástico tiene significados y seguramente es una gran metáfora que mis pensamientos no me dejaron ver, pues mi preocupación era, quién debería restaurar la pieza en caso de perdidas, imaginé enseguida un fontanero artista. Me dí cuenta que si en la reacción al expresionismo abstracto habían pasado algunos años por parte de los artistas mi reacción hacia el objeto piscina, que además era la más grande fue inmediata. 

Las corrientes artísticas del pasado siglo y del actual vienen articuladas mediante el discurso de críticos, curadores y comisarios que tienen un gran poder. Ellos deciden quienes son los artistas que encajan en su discurso. La transgresión, la poética, la cultura, la política, lo social, explican el mundo mediante las obras de los artistas que se mueven en estos campos, como no podía ser de otros modo. Es el poder de los artistas pero sin los artistas, para entenderlo es el poder del pueblo pero sin el pueblo. La clase política ya se encarga de gestionar nuestros votos, los medios de divulgar lo que conviene al sistema. Los comisarios e historiadores de peso de ordenar el puzle para que nos llegue en un discurso coherente y los artistas creadores pura mercancía y encantados de estar patrocinados por aquellos patrocinadores que pueden detestar en su discurso, y todos a la vez espectadores-consumidores del gran teatro del mundo. JCuenca.

Raymond Hains. Saint-Brieuc, França 1926 - París, França 2005.
Sin título, 1998. Papel sobre metall.

Joan Hernández Pijuan. Barcelona, España 1931 - 2005.
Comiols III. 1980. Óleo sobre tela.

y transparente.

Texto y fotografías JCuenca

VILLA FARNESINA CON MUCHO ARTE

Villa Farnesina es un palacete renacentista que debe su nombre a su antiguo propietario el cardenal Alejandro Farnesio, el cual la compró al banquero sienés Agostino Chigi. Se construyó entre 1505 y 1511 siendo el arquitecto Baldassarre Peruzzi. 

Estas villas mostraban el poderío tanto social como económico de la nobleza y la burguesía de aquel tiempo. Chigi fue un rico banquero que organizaba lujosas fiestas en el Vaticano para divertir a los papas, financiaba empresas bélicas al hijo del papa César Borgia, prestaba fondos a Piero de Médicis entre otros y fundó en Roma el banco Chigi. Pero lo más revolucionario además de encargar la decoración de paredes y muros a artistas como Rafael, Sebastiano de Piombo, Giovanni A. Bazzi, llamado El Sodoma, y el mismo arquitecto Peruzzi, fue casarse con una mujer de condición humilde, para celebrar su amor encargó a Rafael Amor y Psique.

En la planta baja de la villa encontramos La Logia de Galatea. La Logia de Eros y Psique y la Estancia del Friso.

En el primer piso está el Salón de las Perspectivas y La Estancia de la boda de Alejandro Magno y Roxana.

Detalle de Galatea pintada al fresco por Rafael

El triunfo de Galatea. Alegoría amorosa. Rafael representa a la ninfa marina hija de Nereo, huyendo del gigante Polífemo en un carro arrastrado por delfines.

Detalle al fresco en la Logia de Eros y Psique.

Pintada por Rafael y sus discípulos en 1518, representa episodios del mito de Psique.

Detalle

Detalle

La boda de Eros y Psique y el Concilio de los dioses.

La Logia de Eros y Psique.

El salón de las Perspectivas en el primer piso. Detalle.

Entre las falsas columnas se ve el paisaje y perspectivas urbanas. El friso con escenas Mitológicas es de Peruzzi y sus discípulos.

El Salón de las Perspectivas pintado al fresco por Baldassarre Peruzzi.

Estancia pintada por El Sodoma en 1519. Detalle.

La boda de Alejandro Magno y Roxana. Ocupa toda la pared norte.

 Comentarios y forografías JCuenca.